La relación actual en el arte entre el vídeo y el sonido
surge a partir de los años 70 con los videoclips, tecnovisuales, video y arte
sonoro, técnicas de DJ y VJs.
Pero esta relación no es nueva en el ámbito de la imagen,
pues en 1920 surgieron películas abstractas (o música visual) o las radio
películas (sin visión).
La conexión entre el mundo visual y el mundo acústico es tan
cercana y tan variada que es muy difícil imaginarlas en esferas separadas sobre
todo en el comienzo de esta nueva era de los medios. La división cultural e
histórica entre la música y las bellas artes es debida en parte a las
características efímeras de la música.
En la época de los griegos la música se consideraba un arte
intelectual dentro de las matemáticas, la gramática y la poesía. Detrás de las
artes manuales como son la pintura y la escultura. Pues todavía en la
Edad Media
En la primera época, los medios visuales y sonoros
estuvieron forzados a permanecer separados debido a la técnica (película –
imagen por un lado y gramófono – grabadora de sonido por otro). Los pioneros
del arte sonoro, o de la música visual, hicieron visible que realmente, aún
surgiendo esta unión temprana en los años 20, el público en general no estaba
preparado para la unión de los dos sentidos en uno.
La música pertenecía al listado de las siete artes
liberales, junto con la gramática, la dialéctica, la retórica, la aritmética,
la geometría y la astronomía, artes heredadas de la antigüedad clásica, que
hacen referencia a su cultivo por “hombres libres” en oposición a las “artes
serviles”.
Mientras que las artes visuales eran consideradas artesanía,
la música gozaba de una consideración social elevada al estar basada en la
filosofía pitagórica.
La teoría musical se explicaba en términos matemáticos,
junto con la aritmética, la geometría y la astrología.
Platón reconocía una relación especial entre la visión y el
sonido. La sinestesia (fusión de los sentidos), explica esa relación especial
entre imagen y sonido.
Louis-Bertrand Castel
Matemático y físico francés del siglo XVIII que defendía firmemente que existe una
relación directa entre los siete colores del arco iris y las siete notas de la
escala. Castel pensaba que las vibraciones producen color, igual que sonido,
así que llegó a la conclusión que el color y el sonido son análogos, lo que
llevó a teorizar sobre el “clavecín ocular”, que mostraba colores en relación
con las notas. Originalmente era sólo una teoría, pero el escepticismo de la
crítica lo empujó a pasarse 30 años intentando construir su invento. El
clavicordio ocular de Castel consistía en un marco con ventanitas de cristal de
diferentes colores colocado sobre un clavicordio normal. Al presionar cada
tecla, se veía un parpadeo del color asociado. El compositor alemán Talemann
viajó a Francia para ver el instrumento, y escribió varias piezas para él,
además de un libro sobre el tema. En 1754, Castel contruyó una segunda versión
que funcionaba con 500 velas y espejos, ofreciendo luz suficiente para un
público mayor.
Libro: “Louis-Bertrand Castell´Optique des Colours, fondée
sur les simples observations, & tournée sur-tout à la practique de la
peinture, de la teinture & autres arts coloristes Paris”: Braisson, 1940
Alexander Rimington y sus órganos de color
En el culto cristiano, la misa, tiene elementos visuales y
sonoros que hacen del ritual algo completo. La organización del coro, y la
focalización en el altar, es indispensable para la ceremonia. El incienso actúa
también como elemento que complementa las sensaciones ópticas.
Leon Battista Alberti
(1404-1472) y Leonardo da Vinci (1452-1519)
relacionaron las artes visuales con las matemáticas otorgando a la pintura la
nueva categoría de arte, al nivel de la música.
Alberti aplicó
estructuras musicales y proporciones numéricas a la arquitectura y a la
construcción.
Tratado “De pictura” 1435-36. En este tratado trata de dar reglas
sistemáticas a las artes figurativas. El tratado se basa principalmente en
Euclides. En su introducción marca la distinción entre la forma presente, la
palpable y la forma aparente, es decir, la que aparece ante la vista, que varía
según la luz y el lugar, a la que se unió la teoría de los rayos visivos. Luego
trata de los colores, el rojo, el azul, el verde y el amarillo (en
correspondencia con los cuatro elementos) que Alberti define como colores
fundamentales. El blanco y el negro no los define como colores, sino como
modificación de la luz. Sigue la descripción del método prospectivo siguiendo
principios geométricos. El libro II habla de teoría artística y el libro III
trata de la formación y del modo de vida del artista, que ya no es artesano
como antes, en tanto en cuanto su arte se basaba en la técnica, sino
intelectual puesto que su arte se basa en las matemáticas y la geometría.
Construcción arquitectónica S. Andrea in Mantua 1470
Leonardo diseñó
instrumentos, por ejemplo la lira de plata para el príncipe Ludovico Sforza de
Milán. Según Vasari, Leonardo cuando pintó la
Mona Lisa
Giorgio Vasari
(1511-1574)
Es célebre sobre todo por sus biografías de artistas
italianos, colección de métodos, anécdotas, rumores y leyendas recogidas en su
libro “Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos),
fuente primordial para el conocimiento de la historia del arte italiano.
En el transcurso del s. XIX, la música adquiere cada vez más
protagonismo.
Beethoven
(1770-1827) http://www.youtube.com/watch?v=ivvn04Zdxt4
Shopenhauer (1778-1860): La música es un lengua común que
puede ser comprendido por todo el mundo.
En la primera etapa del Modernismo, la interacción entre
arte y música tuvo un considerable impulso en el desarrollo de nuevas formas de
arte.
R. Wagner,
propone la idea de la “Obra de arte total” (Gesamtkunstwer) para referirse a
una obra en la que música, teatro y artes visuales se unen en una sola pieza.
Para Wagner, las tragedias griegas unían todos estos elementos (los cuales
fueron separados y diferenciados en distintas artes).
“El anillo del Nibelungo – La Valquiria : Cabalgata /
Sigfrido: Murmullos del Bosque del Acto III”
Teatro Festspielhaus de Bayreuth: realizado anualmente, el
festival de Bayreuth en Bayreuth, Alemania está dedicado a la representación de
óperas de la autoría del compositor alemán del siglo XIX, Richard Wagner. El
mismo Wagner concibió y promovió la idea de un festival especial para mostrar
sus propias obras, en especial la tetralogía (representada en cuatro días) “El
anillo del Nibelungo” y “Parsifal”.
La obra de arte total. Wagner vio en Beethoven al héroe de la
“música absoluta”, y lo muestra como la clave en el futuro del arte general.
En 1876 se produjo un cambio con la creación del Teatro
Festspielhaus de Bayreuth. En este caso es el espacio arquitectónico el que
nace para la música, y no al revés, como pudiera ocurrir en las creaciones
musicales propuestas y creadas específicamente para los espacios sacros.
La construcción se
realizó por el arquitecto Otto Brückwald, bajo la supervisión de Wagner, y con
el apoyo financiero del rey Luis II de Baviera. La primera piedra se colocó el
día del cumpleaños de Wagner, el 22 de mayo de 1872. La inauguración se hizo
con la primera representación completa de las cuatro óperas que constituyen el
ciclo del
Nibelungo, del 13 al
17 de agosto de 1876.
“La entrada principal presenta la típica ornamentación de
finales del s. XIX, mientras que el resto del exterior del edificio está
modestamente decorado con piedra y ladrillo (lo que, en ocasiones le valió el
apelativo despectivo de “el granero”). El interior está constituido
principalmente en madera. En contra de la tradición, el auditorio presenta una
forma en abanico escalonado, sin galerías ni palcos, con visibilidad perfecta
del escenario desde las 1.925 localidades”
Schoenberg
“Six little piano pieces op.19” Música de piano.
“Theree
piano pieces op 11”
Schoenberg fue una gran inspiración para Kandinsky y Franz
Marc.
Schoenberg se liberaba de las constricciones de la
composición musical (sistema tonal) y Kandinsky se liberaba de los dictados de
la imitación de la naturaleza y de la figuración.
La composición y la pintura se encuentran en un momento
clave.
Kandinsky enseguida quiso contactar con Schoenberg y
proponerle formar parte de la exposición El jinete azul. En su primera carta le
escribe que Schoenberg había encontrado en la música lo que él buscaba desde
hace tiempo en la pintura.
Robert y Sonia Delaunay también tuvieron una estrecha
relación con la música. Utilizaron el contraste entre colores simultáneos para
crear nuevas vibraciones en la visión. El ritmo de sus cuadros creaba una nueva
afinidad entre música y pintura. Sus pinturas fueron llamadas por su amigo el
poeta Apollinaire “Orfismo” (de Orfeo, personaje de la mitología griega, que
toca la lira, y representa la unión entre poesía y música).
La imagen en movimiento, surgió como una nueva categoría
dentro de la creación artística. Pioneros del cine abstracto:
Leopold
Survage (1879-1968)
Helmuth
Viking Eggeling (1890-1925)
Hans
Richter (1888-1976)
Walter Ruttmann (1887-1941)
Buscaron en sus películas que la pintura tuviera la
posibilidad de la acción del ritmo y que se acercase de este modo a la música
para hacerla más “viva”.
En 
“Ein Lichtspiel schwarz Grau (juego de luces negro blanco
gris) es quizás la obra fílmica más conocida de Moholy-Nagy. En ella se muestra
su Modulador Luz-Espacio, también conocido como accesorio lumínico para un
escenario eléctrico.
Las composiciones de Klee influenciaron al entonces
estudiante de la Bauhaus Ludwig
Kart Scwitters trabajó, en lugar de con el color, con
palabras. En 1924 grabó la Ursonate. Para
ARTISTAS ACTUALES
Tyler Adams
“Colour
Organ” http://www.t-adams.com/co.php
Es una instalación inspirada en la relación entre el sonido
y el color.
La luz va cambiando lentamente de tono, y el espectador
puede escuchar cómo suena cada color. La instalación funciona con un programa
que mapea las frecuencias del espectro de color RGB y las traduce a frecuencias
sonoras. El cambio de color y sonido es tan lento y sutil que engaña a la
percepción.
Junichi Akagawa
Este músico artista nación en 1985 en Japón y viven en
Berlín desde 2010.
Después de diversas actividades musicales, en 2008 comenzó
una carrera como solista en la música electrónica y en las artes visuales.
Desde entonces ha estado involucrado en la planificación y ejecución de
numerosos eventos en Tokio y Berlín.
También ha compuesto piezas para otros artistas y compilaciones, así
como la creación de varios videos musicales. Akagawa hace uso del sonido y de
las imágenes generadas a tiempo real que combinan con elementos acústicos y
visuales para involucrar a todos los sentidos del espectador, no solamente la
vista y la audición.
Arte sonoro, “Metrópolis”
Exposición en la casa encendida Madrid. http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-arte-sonoro/812785/
Metrópolis dedicada al Arte Sonoro, que agrupa una serie de
prácticas artísticas que tienen en común la investigación con el sonido. “Hemos
buscado incluir la mayor variedad posible con una serie de obras de las que la
mitad son nuevas”, explica José Manuel Costa, comisario de la exposición.
“Pretendemos dar a conocer el panorama de un arte que no se hace sobre el
cadáver de ningún otro sino uno que muestra el hermanamiento del arte sonoro
con otras artes y cómo todo está relacionado”. Aquí algunos de los artistas que
participaron en la exposición:
Angela Bulloch
“Disenchanted forest x 
Adopta definitivamente la forma de una escultura contemporánea.
Escultura y no instalación en el sentido de que siempre es igual así misma, con
independencia del espacio. De otro lado, Bulloch, artista básicamente visual,
buscó para el sonido a otro gran artista, Florian Hecker, decantado más bien
hacia lo sonoro. La obra tiene su génesis en las numeraciones de árboles
berlineses, una peculiaridad que la artista ha convertido en un comentario
social con un buen punto de humor.” José Manuel Costa
C. Spencer Yeh
El vídeo “Baby Birds”
(2009) nos da una mirada íntima del cuerpo de Spencer y el sonido de su voz,
desde un punto de vista de la garganta con su boca bien abierta. Se multiplica
la imagen de su boca cinco veces en la pantalla. Las bocas son relativamente
estáticas, de vez en cuando se abre o se cierra. Los sonidos están en los
auriculares. Spencer transforma su voz en los gritos lastimeros de las aves
jóvenes esperando a sus padres para llevarles algo de comer.
Veit-Lup (dirigida por Christina Kubish)
Desde finales de la década de 1970, Christina Kubish trabaja
con el sistema de la inducción electromagnética. Después de un período de
experimentación, en el año 2004 desarrolló una serie de obras en el espacio público,
titulada “Electrical walks”. En estas
rutas de la ciudad, el participante explora la invisibilidad, pero increíble
presencia de campos electromagnéticos en el entorno urbano a través de unos
auriculares inalámbricos sensibles, que revelan un entorno específico e
invisible.
José Iges y Concha Jerez
Dos “protopoetas” que llevan más de veinte años regalando
palabras a espacios escultóricos y naturales. Una conexión entre naturaleza,
arte y sonido, con instalaciones concretas pensadas para exteriores
mezclándolas con poesía. Así “Jardín de
poetas” de 2008 se puede describir como una instalación sonora de ocho
canales de audio realizada para la inauguración de la Fonoteca de México. Se
emplean las voces de 62 poetas hispanoamericanos, creándose un diálogo
imaginario entre dichos poetas, y en algunos casos la transformación y
manipulación de la voz construye una trampa sonora desprovista de un valor
semántico que la convierte en puro sonido. La significación de Iges y Jerez va
más allá mediante un gesto que desplaza a la poesía del acto privado al acto
público.
Steve Roden
Steve Roden es un artista multidisciplinar que trabaja a
partir de la pintura, el dibujo, la instalación sonora y la performance. Sus
instalaciones suelen estar compuestas de pequeños altavoces que buscan crear
una actividad mínima de escuchar a partir de sonidos muy sutiles, de modo que
se altera nuestra percepción del paisaje y creamos una clase de espacios
arquitectónicos de la escucha donde poder movernos.
“Oionos” 2006 es una pieza concebida en principio para la Acrópolis de Atenas y
que juega con la luz solar mediante poliedros de facetas coloreadas.
Juan-Gil López/ Esoitar.org.
Escoitar.org es un
proyecto comunitario en red abierta cuya dimensión ética se basa en el
compromiso y la cooperación. Colaboran en la conservación de la memoria aural y
a que el patrimonio sonoro de un lugar sea consensuado por sus habitantes. Sus
obras son trabajos de campo y contextualización de los procesos ambientales a
partir de un punto de vista etnomusicológico, bioacústico y antropológico. Éstas
se presentan como un material para la comprensión de las culturas. A través del
paisaje sonoro contribuyen a la construcción de la identidad de una zona
geográfica. Juan-Gil López musicólogo y artista sonoro miembro de Escoitar.org
nos habla del modo en que entienden la idea de paisaje sonoro en sus proyectos
colaborativos. En la obra de “El Ángel”
presenta un paseo sonoro geolocalizado que recupera la figura del ángel caído
para, desde la pura experiencia acústica, promover un encuentro con las fuerzas
del mal. Con el formato de audioguías interactivas, la obra del colectivo
ofrece un juego interactivo que invita a resolver un gran enigma que sólo es
posible completar rescatando las pistas que ofrece el propio paseo a lo largo
de los jardines del Paseo del Duque Fernan Núñez.
Martin Riches y Masahiro Miwa
Riches es un arquitecto y constructor de máquinas, activo
desde el año 1979 dentro del campo de lo cinético y el Arte Sonoro. Sus trabajos
se presentan simultáneamente como instalaciones y performances sonoras. Ha
expuesto en Music machine, ICA, Londes 1983; Inventionen, Berlin 1985 y 1994; y
Interactive Field, Bienal´99, Tokio. Por otro lado, Masahiro Miwa es un
compositor y profesor interesado en programación e instalaciones interactivas
para ordenador. Ganador del premio Digital Music en Ars Electronica por Reverse
Simulation Music y autor del libro The
music theory of the computer age.
La “The thinking machine”
(2007) utiliza bolas rodantes y conmutadores mecánicos para reproducir una
secuencia programada de notas en las tuberías.
Jean-François Laporte y Barbara Sarreau
Laporte es un prolífico artista canadiense que comenzó su
carrera en 1993 y ha sido premiado numerosas veces por sus obras musicales. Activo
compositor con más de 50 obras representadas, empezó hace años a confeccionar
sus propios instrumentos. Laporte se aproxima de
manera intuitiva a la creación musical aprendiendo a través de la
experimentación concreta con el sonido. Con la escucha activa de cada sonido,
trata de entender su realidad y la estructura que le subyace, trabajando
estrechamente con él en su forma más cruda. El material sonoro viene del
entorno cotidiano o de instrumentos tradicionales o nuevos, inventados para la
ocasión, sin ningún tipo de jerarquía. Dibujando con esta diversidad de fuentes
sonoras, Laporte trabaja con múltiples lenguajes musicales y artísticos, con un
especial interés en colaborar con el mundo del movimiento y la danza, como en
esta ocasión junto a Barbara Sarreau presentando la performance “Mon corps jamais ne s´arrêtera de danser”.
En esta obra se puede apreciar los fascinantes gestos sonoros y coreográficos
de gran expresividad a pesar de su crudeza. Aquí, los sonidos que la bailarina
hace se amplifican integrando a la banda sonora, los gestos de los músicos
interactúan con la bailarina.
Katja Kölle
Artista que trabaja desde finales de los setenta
habitualmente con términos como “sinestesia” y “multisensorial”, sus primeras
piezas reciben nombres como Smell Pictures o Score Pictures. Las instalaciones
que ha ido proyectando en estos años tienen muy en cuenta la alteración del
espacio que ocupan, siempre en lugares públicos o de paso. Desde el comienzo de
su trabajo conserva un enorme interés en grabar y transformar los sonidos para
volver a hacerlos audibles en contextos ajenos a su lugar de origen, como
instalaciones acústicas o performance sonoras.
“Stacatto-bianco”
es una superficie que, como todas, suena, pero esta vez de forma especial y más
inestable que reacciona de manera nada unícova cuando el paseante camina sobre
su superficie.
Joyce Hinterding “Aeriology”
Brendan Walls
Todo suena, y la compositora Joyce Hinterding, con sus investigaciones
sobres lo inaudible, nos hace participes del extraordinario mundo que va de la
electromagnética amplificada a los sonidos microtonales de las ondas
radiofónicas.
“Aeriology” mediante la amplificación de las bobinas de esta
instalación, revela otra actividad sin precedentes de inflexión en lo etéreo de
audio.
Angeles Oliva y Toña Medina
“Une los puntos” Un recorrido sonoro por algunos rincones de
La Casa Encendida
Minoru Sato
Artista sonoro vinculado a los infrasonidos. Sus
instalaciones describen los procesos físicos a los que el sonido y la luz se
enfrentan: variación de la amplitud de las vibraciones acústicas, observación
de estados térmicos a través de una onda estacionaria, difracción de la luz
derivada de las ondas, amplificaciones de la frecuencia natural de resonancia
en espacios cerrados… Estas obras parten de fenómenos físicos; así entrevemos
la relación entre descripción de la naturaleza y representación del mundo. “Irregularity/Homogenelty emerging from the
pertubation field 2010” . La necesidad viene de que esta es la única pieza de
la exposición que en realidad no suena. Mejor dicho, que no es audible, porque
las ondas generadas mediante la luz de unos tubos fluorescentes, siendo
sonoras, están más allá del rango de audición humano y sólo pueden percibirse
como una vibración irregular.
Michael Northam y Manu Holterbach
Dos notables exploradores sonoros presentan ahora por
primera vez en directo un proyecto de colaboración que se ha ido gestando desde
que se conocieron hace casi diez años.
Manu Holterbach inventa y toca nuevos instrumentos musicales
acústicos (cristales enharmónicos, girófonos, máquinas-zumbido), máquinas de
especialización sonora (acustimotógrafos) y altavoces mutantes (altavoces de
bajos, láminas de metal sonoras). Compone música electroacústica basada en
grabaciones de campo de fenómenos naturales e industriales, vibraciones de
objetos y edificios, compone música para instrumentos clásicos y exóticos y
ofrece a menudo conferencias sobre el Arte Sonoro en escuelas, librerías y
festivales de música. Una buena parte de su tiempo lo dedica a preparar la
biografía oficial de Eliane Radigue.
Desde su memoria más temprana, en el desierto occidental de
UTA, Michel Northam, se ha visto íntima y directamente inspirado por vastas
geografías, el clima severo y otros impresionantes lugares y fenómenos
naturales. Con esta base, Michel ha explorado sobre terreno entre la
improvisación y la composición acuamática, técnicas de grabaciones de campo y
la instrumentación tradicional. Su trabajo se ha desarrollado durante más de
quince años de investigación, dando como resultado multitud de acciones,
conciertos por todo el mundo y publicaciones en varios países.
En su obra “Phénomenés
Printemps” el pequeño auditorio invitó a la intimidad y la admiración ante
lo que estaba ocurriendo: múltiples capas sonoras se armonizaban y prolongaban
en el tiempo dibujando una primavera llena de matices. Tanto Holterbach como
Northam generaban sonidos, los reproducían y transformaban a tiempo real para
conseguir un efecto hipnótico y en conjunto, una pieza mágica.
Holterbach se sirvió de su guitarra preparada, de los
osciladores, los sonidos distantes y se ocupó en su mayor parte de las bajas
frecuencias. Northam evocaba texturas más brillantes, sonidos y tonos generados
con su flauta japonesa, la voz y otros objetos. En un determinado momento,
bebió de su botella de agua e integró esta acción en la pieza sonora, el mismo
golpeo del agua de su botella propagándose junto a los demás sonidos hasta
perderse en el desvanecimiento.
Webs de los artistas:
Raquel Shearer
En “Fakerie” la
luz y el sonido de las esculturas creadas por Shearer nos transportan a un
espacio a miles de kilómetros de altitud, un lugar desde donde poder contemplar
unas estrellas resonantes cuyo parpadeo e intensidad marcan el tiempo y el
espacio
Pablo Palacio y Muriel Romero
Pablo Palacio es compositor. Tras completar uan formación
musical tradicional, su interés se centra en la transformación y la percepción
del sonido, estudiando con Jean Claude Risset, Trevor Wishart, y licenciándose
en psicología y psicoacústica. Ha compuesto diversas piezas de danza para
Compagnie Buissonniére-Lausanne, CCG, BalletMainz o Palindorme, que actualmente
son difundidas en un ámbito internacional.
Muriel Romero estudia en la Escuela Nacionalla Rudra Bejartla Crítica
y del Público en Moscow International Ballet Competition (Moscú 1987).
Desarrolla una dilatada trayectoria como slista en diversas y prestigiosas
compañías. “Acusmatrix” de 2010, es
una matriz de dos entradas concebida para la interacción de movimiento humano y
sonido en continua transformación. En este caso toma la forma de un tratado de
pájaros acusmático para un bailarín y teatro sonoro tridimensional en dieciséis
canales. La pieza está escenificada por un quinteto híbrido formado por un
intérprete y cuatro especies de pájaros europeos que se desplazan y transforman
creado una genealogía de personajes sonoros interconectados perceptualmente.
Jeff Mills
El sonido tiene también algo de tangible y maleable, y una
parte de la obra que aquí mostramos incide en su valor preformativo. El caso
paradigmático es la pieza de Jeff Mills. El DJ de Detroit no necesita un
acelerado montaje para que sus movimientos nos fascinen: con sólo tres platos,
una maleta de discos y tres cámaras que recogen todos sus gestos alrededor de
la mesa de mezclas, Mills atrae nuestra atención como si de un mago se tratara.
La obra guarda relación con aquellos videos didácticos cuya función consistía
en familiarizarnos con el objeto de estudio, algo que consigue desde el primer
minuto.
A.A.V.V.
Tres trabajos componen la obra audiovisual del sello LINE.
Los tres proyectos nso perminten hacernos uan idea extensa y diversa de la
investigación sonora a partir de disciplinas tan dispares como son: magnetismo,
física, biotecnología, robótica, dinámica de fluidos, pintura… Obras que han
pasado por una instalación de audio táctil (Camera
Lucida), perfofmance audiovisual (Colorfield
Variations) y espacio inmersito (Optofonica).
Los tres trabajos son los híbridos perfectos entre imagen,
sonido y ciencia: Camera Lúcida (2007)
es una ambiciosa investigación en torno a la sonoluminiscencia, esto es
transformar las ondas sonoras en luz; Colorfield
Variations (2009) reinterpreta el movimiento pictórico americano post
expresionista Color Field, practicado por entre otros Clyfford Still, Mark
Rothko, Barnett Newman, Morris Louis, Kenneth Noland o Helen Frankenthaler; y Optofonica (2009) es un proyecto de
inmersión que nos invita a transcender la lógica habitual de la imagen para
hacer la experiencia más perceptiva.
Raquel Castro
“Soundwalkers” 2008 http://www.sonidocreativo.cl/?p=886
“Hay algunos principios fundamentales sobre la construcción
de una sociedad acústicamente saludable, una en la que se puede existir dentro
de los sonidos de la vida. El respeto hacia la voz y las palabras, la
conciencia sonora, el despertar del sentido de la audición. Al fin de preservar
los sonidos que tienden a desaparecer, mientras permanece abierta a los sonidos
que brotan de cada paso tecnológico. La construcción de un lenguaje fonético
que interpreta su propio simbolismo. Para aceptar el silencio, la ampliación en
los momentos debidos. Y, sobre todo, a escuchar.”
Todo sonido ocupa un espacio: radiocreación: tienen un
espectro que es la música, la palabra…
¿Qué evolución ha sufrido la música y el sonido occidental?
Música instrumental – desinstrumentalización –
postinstrumental
Sonido armónico – disarmónico
Palabra – fonema
Existe una relación estrecha entre la música y:
- El montaje.
- Arte y medios de comunicación de masas.
- Industria cultural.
- Espectáculo.
- Progreso social y tecnológico.
Esto promueven o vinculan el desarrollo de la música actual.
Música pop 1970
- Música electrónica Vs Punk futurista electrónico
- Admiración por la máquina.
- Acceso a nuevas esferas (movimiento hippie-drogas-lsd)
- Algunos artistas de la época:
Monte Cazazza http://www.youtube.com/watch?v=7lgc9AyLtyg
Robert
Rental http://www.youtube.com/watch?v=nqO_C-xNu94
Kosmische Kuriere (discográfica alemana) http://www.youtube.com/watch?v=UGVCtTTZoKo
KRAFTWERK
Es un grupo musical vanguardista alemán decisivo para el
desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y
Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras la incorporación de Wolfgang
Flür y Kart Bartos.
Kraftwerk:
The Robots http://www.youtube.com/watch?v=VXa9tXcMhXQ
Algunas características propias pueden ser: Pop, Sonido
Ambiental, Atmósferas de sonido, Paisajes sonoros, Utilización del
sintetizador, Música electrónica postintrumental, Nueva generación de sonido
electrónico, Interfaces de producción digitales, Reproducción de sonidos,
Montaje de voz, Instrumentos electrónicos, Simbiosis entre imagen y sonido.
Ya no entendemos la imagen separada del sonido, sino que lo
vemos como un conjunto.
Dj - VJ (VJ es una denominación general para el rendimiento
visual en tiempo real. Características de los VJ son la creación o manipulación
de imágenes en tiempo real a través de la mediación tecnológica y para una
audiencia, en la sintonización con la música. VJing a menudo se lleva a cabo en
eventos como conciertos, discotecas, festivales de música y, a veces en
combinación con otras artes preformativas. Esto se traduce en un directo
multimedia de rendimiento que pueden incluir música, actores y bailarines. El
término VJ se hizo popular en su asociación con video jockey de MTV, pero sus
orígenes se remontan a la escena de Nueva York del club de los 70. en tanto
VJing es la manipulación o selección de imágenes, de la misma manera que DJ es
una selección y manipulación de audio.) http://www.vjspain.com/
Cut and Mix
Hip Hop como una recontextualización de la huella o restos
de la música afro americana 1987-1995 (Raggae, Funk, Jazz)
Gang Starr
“Step in the Arena” http://www.youtube.com/watch?v=FNj-m_s0ngA
Kase.O Jazz
Magnetism “Boogaloo” http://www.youtube.com/watch?v=8Tlr5nu-PZE&feature=related
Frank T “Así son” http://www.youtube.com/watch?v=l9asHMrnweI&feature=related
Conceptos de “montaje” y “bricolaje”
En los 60s
Claude Levi-Strauss introdujo la noción de bricolage en la etnografía moderna
francesa a través de su obra “EL Pensamiento Salvaje”. El bricolage ilustró los
procedimientos intelectuales indirectos, los modos de observación y reflexión
del pensamiento salvaje o primitivo. De
esta manera, el bricolage fue como la magia, los rituales y los mitos. “El pensamiento mítico –escribió
Levi-Strauss- aparece como una forma intelectual de bricolage.”
“La obra de
arte es algo análogo al lenguaje. No puede ser un lenguaje ya que el aspecto
comunicativo anularía su valor estético.”
El arte no
es un sistema de signos arbitrarios, la estructura de significante y
significado es muy cercana. Existe siempre una relación directa entre el signo
y lo que denota. Son estructuras visibles. Para Levi Strauss una obra de arte
renuncia siempre a lo que la conecta a la realidad (la música pierde la visualidad,
la pintura la dimensionalidad, la escultura al teimpo…)
Para Strauss
el funcionamiento de la música es muy parecido al de la mente del artista.
La obra de
arte como funcionamiento de la mente, hace visibles estructuras, estructuras
comunes.
El pensamiento
salvaje como el pensamiento base o pensamiento estructural común en todas las
sociedades.
Nivel de
organización estructural. Armadura musical (determina la tonalidad, el
principio básico).
La historia
es una invención cultural: sociedades frías/calientes. En el libro
“Antropología estructural” de Levi Strauss. Nos define los dos tipos de
civilización claramente diferenciados, a las cuales llama “sociedades frías” y
“sociedades calientes”, es decir, utilizando una categoría termodinámica para
definir estas dos tipologías. Lévi Strauss nos dice que lo propio de las
sociedades frías es la valoración de la armonía y la calma, donde encontramos
una noción del tiempo circular, cósmico, dentro de la cual cuesta diferenciar
entre un antes y un después. Son sociedades sin crecimiento demográfico y con
muy bajo consumo energético. Las encontramos hoy como hace diez mil años, es
decir, no entraron en la historia. Como contrapartida a las sociedades frías,
las sociedades calientes son sociedades que valoran el cambio y la expansión
donde el tiempo marca un antes y un después y donde la evolución es lo que
define la dinámica social. Lévi Strauss plantea que estas sociedades son las
que entraron en la historia a partir del “invento” de la esclavitud, que les permitió
obtener la energía necesaria para su desarrollo.
Morphing: es
un efecto especial que utiliza la animación por ordenador para transformar la
imagen fotográfica de un objeto real en la imagen fotográfica de otro objeto
real. Se utiliza sobre todo para crear la ilusión de la transformación de una
cosa en otra, como por ejemplo la metamorfosis de un hombre lobo.
Pero actualmente este concepto se acerca también a la música y a la transformación sufrida en
el arte. 
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